Archives de catégorie : Spectacle vivant

La dernière nuit du monde, de Laurent Gaudé et Fabrice Murgia

Pièce de théâtre vue à la Scène Nationale d’Albi. Le futur proche. Une société pharmaceutique a produit une pilule permettant de ne dormir que 45 minutes par nuit (les auteurs se sont inspirés de l’essai 24/7: le capitalisme à l’assaut du sommeil de Jonathan Crary). On suit Gabor, un communiquant travaillant pour une des lobbyistes travaillant à l’adoption de cette pilule par différents pays du monde. Gabor est totalement absorbé par son travail, et refuse de voir que Lou, sa femme est contre le concept. Le jour du lancement de la pilule dans 51 pays, surnommé « la dernière nuit du monde », Gabor est à l’autre bout de la planète alors que l’état de sa femme hospitalisée suite à un accident se dégrade. Dans le monde d’après, Gabor tente de retrouver la trace de Lou, qui a disparu lors de son séjour à l’hôpital.

Le sujet est intéressant, mais le traitement présente les soucis habituels des sujets de science-fiction écrite par des auteurs qui n’ont pas l’habitude d’en écrire : on nous décrit plus le basculement que sur les conséquences, on se concentre trop sur l’histoire du personnage principal par rapport à la société, même alors que cette histoire laisse au second plan le cadre d’anticipation. Par ailleurs, j’ai trouvé le personnage de Gabor, qui est celui par le point de vue duquel on a toute l’histoire assez antipathique : il est très autocentrée, même la disparition et possible mort de sa femme est le prétexte à mettre en scène sa douleur à lui. Avoir le point de vue de Lou me semblerait bien plus intéressant (on voit bien que les auteurs dénoncent le projet de nuit fragmentée soutenue par Gabor, mais ça reste un peu pataud).

La forme théâtrale n’était pas forcément la meilleure pour mettre en scène ce récit, mais il y avait quand même des éléments intéressants : l’isolement des personnages montré par leur position au sein de deux cadres au sol, leurs échanges qui ne se faisaient que par l’intermédiaire d’un écran ou le visage de la comédienne qui jouait Lou était projeté (c’était une façon de montrer l’isolement, mais en même temps j’ai trouvé que ça donnait une pièce très statique, qui n’habitait pas du tout l’espace de la scène ; c’est dommage de voir un spectacle vivant « figé », en quelque sorte). Les passages chantés et la façon dont l’écran permettait de démultiplier les perspectives sur Lou étaient intéressant par contre ; les images supplémentaires sur l’écran, que ce soit les autres personnages (la lobbyiste principalement) ou du contexte sous la forme de journaux télé, images d’archives ou autre donnaient une dimension supplémentaire qu’il aurait été difficile de mettre en scène avec des acteurs en chair et en os).

Bilan mitigé donc. Thème intéressant mais insuffisamment approfondi, point de vue trop centré sur un personnage de mec médiocre alors que le point de vue de sa femme aurait davantage valu le coup, mise en scène innovante mais trop statique à mon goût. C’était pas activement mauvais, mais ça a du potentiel clairement non-réalisé, ce qui est toujours assez frustrant à voir.

Tartuffe, mis en scène par Yves Beaunesne

Pièce de Molière mise en scène par Yves Beaunesne. Le décor place l’action de la pièce au XIXe siècle, dans une famille bourgeoise. Je ne connaissais pas le texte de la pièce, j’étais passé entre les gouttes lors de ma scolarité. C’était cool de découvrir la pièce pour la première fois sur scène.

La mise en scène était très réussie, rendant le texte très vivant. Les personnages semblent contemporains et crédibles (par contraste avec des mises en scène de d’autres pièce de Molière que j’ai pu voir, qui était en soi très bien, mais faisait fortement sentir que le texte était d’époque – là même si le côté XIXe siècle ne rend pas le texte contemporain, il le réactualise cependant).

La troupe était belge, certains personnages parlaient avec un accent plus ou moins marqué (pas certains acteurs, puisque les mêmes acteurs faisaient varier l’accent d’un personnage à l’autre), c’était aussi intéressant dans le décalage que ça donnait au texte qu’on a tendance à voir en France comme un trésor national bien de chez nous.

Les interludes chantés correspondant aux temps des offices religieux était bienvenus pour faire respirer la pièce, montrer une autre dynamique entre les personnages – et montrer la variété des types de chants religieux.

Enfin, la fin de la pièce était assez violente, puisque ça finit en lynchage général de Tartuffe par l’ensemble des personnages (et j’ai vérifié, la fin du texte ne parle pas du tout ne serait-ce que de lui donner des coups de bâton, c’est une innovation perso de la mise en scène).

Hamlet, mis en scène par la compagnie Vol Plané

Pièce vue à la scène nationale d’Albi. Hamlet est prince du Danemark. Le fantôme de son père lui révèle qu’il a été assassiné par son oncle, désormais roi. Hamlet décide de se consacrer entièrement à la vengeance, simule la folie, est odieux avec tout le monde autour de lui, et ça finit mal.

La mise en scène était très originale : les spectateurs étaient disposés à 360° autour de la scène, plusieurs acteurs jouaient Hamlet successivement, voir simultanément. Les acteurs prenaient parfois place dans le public, certains spectateurs étaient mis à contribution pour lire les lignes de personnages mineurs, et des drapeaux avaient été distribués dans le public représentant les nations mentionnées dans la pièce, que les spectateurs devaient agiter quand elles étaient mentionnées. Il y avait de la musique moderne et de la danse.

On pourrait craindre que toutes ces altérations fassent un peu gadget, et relèguent le texte au second plan, s’appuyant juste dessus pour des effets comiques qui marcheraient aussi bien avec une autre pièce. Je n’ai pas trouvé que ce soit le cas. Ce que ces modifications font, c’est mettre en lumière les conventions théâtrales, de façon réussie. Autant la n-ième répétition d’une pièce où les acteurs brisent soudain le quatrième mur pour aller se balader dans le public ça m’agace à force d’être suremployé, autant ici j’ai trouvé ça intéressant : le personnage d’Hamlet est marqué par un hoodie noir, indépendamment de l’acteur qui le porte, on distingue bien le personnage de l’acteur. Les changements d’acte sont annoncés par une voix off, ou directement par les acteurs. L’ensemble de l’espace de la salle est traité comme la scène, et le public comme des accessoires qui font pleinement partie de la pièce : le jeu avec les drapeaux marche notamment très bien : les drapeaux Danemark sont distribués massivement par rapport aux autres nations, illustrant les rapports de pouvoir politique dans la pièce et matérialisant aussi la cour du Danemark quand le roi et la reine s’assoient parmi eux : un tel effet serait difficile à réaliser sans rajouter une masse de figurants sur scène. Et si la troupe prend clairement plaisir à souligner les aspects comiques du texte, les passages tragiques ne sont pas relégués à l’arrière plan pour autant.

Ramkoers, de la compagnie BOT

Concert/performance de « musique industrielle », vu à la scène nationale d’Albi. La scène commence totalement vide. Puis un ventilateur envoie valser des feuilles de journal, une tige tombe, un accordéon rampe sous le rideau, un artiste en apporte un autre en train de jouer du piano sur un diable… A la fin du spectacle, la scène était remplie d’un capharnaüm d’instruments de musique fabriqués à partir d’objets divers. Par manque de connaissance du néerlandais je n’ai aucune idée du message des chansons, mais la performance était impressionnante dans la créativité déployée pour la fabrication des instruments et dans la coordination pour gérer l’espace de la scène, les changements entre les divers instruments. C’était un truc finement chorégraphié, dont la minutie était dissimulée sous une esthétique industrielle. J’ai beaucoup aimé.

Double Murder de la compagnie Hofesh Shechter

Spectacle de danse à la scène nationale d’Albi. Spectacle en deux parties (Clowns et The Fix) écrites à deux moment différents et séparées par 20 minutes d’entracte.

J’ai beaucoup aimé Clowns, moins The Fix. Clowns est très intense, ça commence par cinq minutes survoltés sur un french cancan qui ressemble à un échauffement d’impro surtravaillé/une entrée de clowns sur scène (raccord avec le titre), puis durant 50 minutes, les mouvements sont repris et mis en scène sur une musique plus sombre et lourde, limite lancinante. Le spectacle met en scène sans explication des meurtres à répétition des acteurs les uns par les autres, séparés par des interactions plus légères. Le travail de synchronisation des artistes entre eux et avec la musique est impressionnantes, je note notamment un moment où les acteurs sont en rythme pas seulement sur le temps de base mais sur les variations des percussions, c’était très beau. Le salut chorégraphié qui enchaîne plein de petits tableaux/pas de danse était une super idée aussi. Un bémol sur la gestion des transitions sonores, où il y avait des tracks qui coupaient abruptement, c’était dommage parce que c’était vraiment le seul détail en dessous du reste dans l’exécution de la pièce.

The Fix souffre de la comparaison avec Clowns : la mise en scène est plus moderne, avec une lumière très crue, des acteurs en vêtement ordinaire (la lumière était plus basse et plus chaude dans Clowns, avec des guirlandes de guinguette et des acteurs en costumes crème qui faisaient clowns). La bande-son est plus anecdotique, il y a toujours des mouvements de danse qui sont très beaux mais l’ensemble est moins cohérent, et le final à base de « on va dans la salle faire des câlins aux spectateurs » m’a un peu blasé, j’ai l’impression que c’est la tarte à la crème du bris du quatrième mur.

Le Petit Chaperon Rouge, de Joël Pommerat

Spectacle familial de Joël Pommerat. Spectacle familial, ça implique qu’il ne soit pas trop long (45 minutes) pour retenir l’attention des enfants, et d’avoir une salle avec une grosse proportion d’enfants, trop refaits de la sortie en famille et de voir leur pote dans un contexte inhabituel, qui se font donc des grands coucous à travers la salle, c’était rigolo comme ambiance. Je ne vais pas résumer l’histoire, il y a de bonnes chances que vous connaissiez les grandes lignes. Précisons quand même que Pommerat élude les iconiques bobinette et chevillettes ainsi que la galette et le petit pot de beurre, pour se concentrer sur l’essentiel de l’interaction grand-mère/petite fille/loup. Il rajoute aussi un long prélude sur les relations de la petite-fille à sa mère, petite-fille qui ne sera ni appelée ni affublée d’un chaperon rouge avant la dernière scène où elle sera devenue adulte.

De beaux passages sur la mère qui joue à être monstrueuse pour amuser sa fille qui en redemande, très bien mis en scène et très bien joué par l’actrice. Dans ce passage et dans les relations de la petite fille au loup, il y a des possibilités d’interprétation sexuelle assez claires pour les adultes (en même temps c’est normal au vu du matériau-source). Je n’ai pas été enthousiasmé dans la mise en scène, qui est assez dépouillée, mais tout ce qui tourne autour du loup est assez réussi. Sa présence dans l’ombre puis emmitouflé dans les draps, qui à chaque fois ne laisse deviner que son museau, fonctionne très bien. La scène où il est dans l’embrasure de la porte de la grand-mère (avant de la manger), où la porte est figurée d’un quadrilatère de lumière sur la scène qui l’éclaire l’acteur d’un contrejour, est une super mise en scène. Les ruptures de tons dans le discours du loup qui s’impatientent en discutant avec la grand-mère et la petite fille marche très bien pour relâcher la tension et faire rire les enfants (qui accrochent aussi très bien sur la corde de la frayeur, dédicace à la petite fille qui a dit d’une voix blanche « c’est le loup » quand un hululement a retenti dans les hauts parleurs).

Bref, c’était bien, avoir un spectacle court c’est une expérience différente de d’habitude je trouve, et la mise en scène fonctionnait bien pour réactiver un texte très connu.

Contes et Légendes, de Joël Pommerat

Pièce de théâtre. Une série de saynètes jouées par des acteurs adultes et enfants, sur le thème de la construction et de l’image de soi, et sur les rapports humains/robots.

Sur le point humains/robots, ça n’avait aucun intérêt, des questionnements vus et revus (et mieux traités) dans une quantité d’œuvre de SF. Sur la construction du soi et le passage à l’âge adulte y’avait des éléments intéressants et d’autres moins. Un gros malaise sur une scène qui dénonçait les discours masculinistes mais le faisait avec pas assez de recul pour que ça passe vraiment j’ai trouvé (d’ailleurs seul moment où il y a des gens qui ont hué, à raison). Une autre qui marche mieux pour dénoncer le privilège masculin par rapport à la charge mentale. Bon jeu d’acteurs de l’ensemble du cast, notamment le jeu sur les gestes pour celleux qui interprétaient les robots. Le texte n’est par contre pas toujours très naturel dans son énonciation (il y a un petit côté « faux langage de jeune » notamment).

Bref, avis mitigé, j’attends de voir son Petit Chaperon Rouge la semaine prochaine.

Points de non-retour [Thiaroye], d’Alexandra Badea

Il y avait du potentiel. Une pièce sur le massacre de Thiaroye, quand à l’issue de la Seconde Guerre Mondiale l’administration coloniale préféra exécuter un contingent de tirailleurs sénégalais plutôt que de leur verser leur solde et les laisser retourner à leur vie, avant de couvrir le tout. Comment ce massacre affecta les fils et petits-fils des bourreaux comme des victimes, en laissant une énigme au sein de leur histoire familiale.

Sauf que le texte de la pièce est super lourd, à base d’énonciation péremptoire de vérités générales et d’emphase dramatique là où il faudrait être subtil. La mise en scène est intéressante, avec des fenêtres sur lesquelles sont projetés des paysages voire une partie de l’action, permettant de situer l’action dans le temps et l’espace (parce qu’il y a un entremêlement des époques, qui donne un côté narration éclatée qui fait plus gadget qu’autre chose, même si l’idée c’est probablement que l’on découvre l’enjeu de Thiaroye progressivement (mais ça aurait pu être mieux fait de d’autres manières).

Je ne suis pas une apparition, d’Hélène Ollivier

Super pièce de théâtre féministe, qui présente la vie de différentes femmes et la perception qu’on d’elles leur entourage, la société (Sappho qui revient pour dire que les historiens ont totalement laissé de côté son apport à la poésie grecque pour se poser des questions voyeuristes sur sa vie sexuelle, une gynécologue qui en a marre que sa famille et la société essayent de lui filer un compagnon alors qu’elle veut se concentrer sur son métier et qu’on lui foute la paix, une délinquante mutique sur laquelle ses interlocuteurs projettent leurs explications de ses actes…)

Si jamais elle est rejouée l’année prochaine, je vous recommande fortement d’aller la voir.

La Ronde

Pièce d’Arthur Schnitzler, mise en scène d’Anne Kessler.

Dix protagonistes formant dix couples hétéro (chacun des protagonistes interagissant avec deux autres), se retrouvant pour faire l’amour, dans le Berlin des années 60. Si les premières scènes m’ont laissé froid, avec des échanges que je trouvais très artificiels, j’ai trouvé que la pièce s’améliorait au fil du temps. Par contre le vision du sexe qui en est donnée est assez triste, avec des rapports non consensuels parfois et toujours des rapports de domination. Mais les échanges sont néanmoins assez justes et intéressants.