Dog day afternoon, de Sidney Lumet

Longs métrages, ,

Film étatsunien de 1975. Trois braqueurs tentent de dévaliser une petite banque de Brooklyn. Ça devait être un braquage rapide à l’heure de la fermeture, mais les choses déraillent rapidement : un des trois braqueurs n’assume pas les risques et s’enfuie, le coffre de la banque a été vidé l’après-midi même, et surtout le braquage est remarqué par des voisins, et la police arrive avant que les voleurs n’aient pu s’enfuir. S’ensuit une nuit de négociations où Sonny (Al Pacino) va discuter avec les forces de police, tenter de mettre la foule qui entoure la banque de son côté, échanger avec le personnel de la banque qu’il retient en otage.

Le film est inspiré d’une histoire vraie, et Al Pacino est très bon dans le rôle central (tout tourne autour de lui, son cobraqueur est présenté comme juste dans son orbite, pas très charismatique ni malin. C’est un Lumet donc on voit des gens (surtout des hommes) dans des clairs obscurs avoir des conversations en marcel et bras de chemise et transpirer, et Pacino excelle à ça. La scène où il met la foule de son côté en insultant les flics qui le pointe de leur arme par dizaine alors qu’il est seul et désarmé est très réussie.

The Bear, de Christopher Storer

Séries,

Série télévisée dont la première saison est parue en 2022, 3 saisons so far, les deux premières très très bonnes, la troisième simplement bonne. Sans trop en révéler, on suit les vies des personnes travaillant dans le restaurant The Original Beef of Chicagoland. C’est de la restauration rapide, mais le propriétaire-gérant a changé récemment, et vient du monde de la gastronomie, ce qui ne va pas aller sans un certain clash des cultures.

J’ai pendant longtemps fait l’impasse sur cette série, parce que je pensais que c’était une série qui parlait de bouffe, que ça m’évoquait essentiellement de la téléréalité comme Top Chef, et que c’est vraiment pas qq chose qui m’intéresse (j’aime beaucoup la nourriture, mais ma relation à la nourriture implique de la manger, pas de la regarder à travers un écran). Laissez-moi donc dissiper ce malentendu si vous êtes dans le même cas de figure : ce n’est pas une série qui parle de bouffe. C’est une série qui parle de relations familiales, professionnelles et familialo-professionnelles. C’est une série qui parle de trauma, de vouloir exceller à quelque chose et des sacrifices que ça peut amener à faire. Ca parle de travailler dans un restaurant (duh), avec tout ce que ça implique de tâches qui ne sont pas juste de préparer de la nourriture, de la difficulté d’avoir un restaurant qui tient la route financièrement. Voilà pour les thèmes.

Pour la forme, c’est une série qui prend le temps de caractériser ses personnages et leurs relations. C’est aussi une série qui filme les personnages de très près (passion grain de la peau) et qui montre des personnages épuisés. C’est aussi une lettre d’amour à Chicago, avec une quantité de plans de coupe sur la ville incroyable (et comme tout se passe à Chicago, c’est pas pour situer l’action, c’est juste pour crier « Chicago »). C’est aussi une série avec une super bande-son (à forte composante rock des années 90), très très bien employée pour souligner la tension.

Si certain points de l’intrigue m’ont semblé un peu forcés/trop rapide (le plot-twist de la fin de la saison 1, le changement de posture de Richie après l’épisode Forks), globalement c’est quand même très bien écrit, avec des saisons 1 et 2 qui savent totalement où elles vont en termes d’arcs narratifs. Les épisodes Review et The Bear notamment sont très très réussis et la façon dont ils se répondent, ce qui a évolué ou non entre les deux est très bien exposé. En épisodes davantage one-shot, Fishes (qui sort du cadre du restaurant pour faire un flash-back sur un repas de Noël) et Forks (sur le passage de Richie dans un restaurant gastronomique) sont très réussis aussi. Le fait d’avoir toute une saison où le restaurant est en travaux est aussi assez magistral. La saison 3 perd la compacité d’écriture des deux premières, mais elle prend le temps de creuser les personnages

Les persos sont tous très bien écrits, avec évidemment le trio de tête Carmy/Sidney/Richie et l’ambiguïté qu’ils ont tous les trois en tant que perso qu’on peut à la fois adorer ou détester – un peu moins Sidney qui est moins flawed que les deux autres, mais aussi les persos secondaires : Marcus, Tina, Ibrahim sont des personnages crédibles, même avec peu de temps d’écran, et dans la famille étendue Berzatto, tous les personnages sont très réussis, que ce soit les tragiques comme Donna ou Mikey ou les comiques comme la famille Fak ou l’oncle Jimmy.

Bref, grosse reco.

Megalopolis, de Francis Ford Coppola

Longs métrages

Film paru en 2024. Nous sommes à New Rome, capitale économique des États-Unis. La ville connait une crise économique et démocratique. Deux visions de l’avenir de la ville (ou de la Ville, comme allégorie de la Civilisation, c’est un film avec beaucoup de Majuscules) s’affrontent : celle du maire, Frank Cicero, partisan du status quo et de réformes progressives, et celle de Cesar Catilina, dirigeant de la commission d’urbanisme (qui dépend visiblement du niveau fédéral ou étatique, en tous cas il est totalement indépendant de la Mairie, au grand dam de Cicero), architecte visionnaire qui veut totalement changer l’architecture de la ville (mais plutôt genre Haussmann que révolution prolétarienne). Les deux visions sont franchement assez creuses : le maire reproche à Catilina son idéalisme mais ne propose rien en face – et le reproche d’idéalisme est fondé, Catilina dispose de pouvoirs et matériaux magiques (because why not), mais il fait surtout des Discours avec des Majuscules et détruit des quartiers d’habitation pour mettre toute la ville en chantier pour faire advenir son Utopie d’un seul coup.

S’ajoutant au débat d’idées, on a des relations familiales : Catalina est soutenu par son oncle Crassus, le banquier le plus riche du monde – et envié par son cousin Claudio, qui voudrait bien être l’enfant prodige de la famille à la place du calife. Catalina est hanté par la mort de sa femme dont il a été accusé (mais il n’est qu’indirectement responsable à cause de son workaholism), et adulé par deux femmes : la reporter Wow Platinum, aux dents très longues, et Julia, la fille du maire, ce qui va donner une coloration Capulet/Montaigu. On va parler dès maintenant des rôles féminins : ils sont nuls. C’est vraiment un quadrat muse/maman/putain/vierge. Les rôles des deux mères de familles sont rigolos mais ont droit à 30 secondes chacune environ. Audrey Plaza donne tout ce qu’elle a en Wow Platinum, mais elle doit se coltiner un scénario où elle est passionée par Catilina sans que ce soit justifié une seule seconde. En 2024, c’est quand même très dommage.

Ah, et les effets spéciaux numériques sont très laids, et y’a plein de bouts d’intrigues qui disparaissent en plein milieu ! Mais du coup, qu’y a-t-il à sauver dans ce film ?

Eh bien quand même pas mal de choses. C’est clairement pas le film de l’année ni le joyau de la carrière de Coppola, mais c’est un film qui ose plein de trucs. Y’a le côté collage de genre et d’époques : c’est Rome, c’est New York, c’est le trumpisme et les catilinaires (avec des citations in extenso du vrai Cicéron, notamment « jusqu’à quand, Catilina, abuseras-tu de notre patience »), c’est des décors Art Déco, avec des voitures qui font film noir/Métropolis, une vision du créateur démiurgique qui rappelle dans un style très différent Le Garçon et le Héron (mais on est sur des films testaments dans les deux cas), des costumes magnifiques (je pense que les costumes sont la partie la plus réussie du film), des splitscreens, une rupture du 4e mur, des passages où y’a juste des dessins projetés sur l’écran. C’est 15 000 trucs cités, autant testés, et y’en a qui resteront. Il y a quelques passages un peu long, mais c’est un film durant lequel il est difficile de s’ennuyer.

Aucune idée de si je le recommande.

We’re all going to the world’s fair, de Jane Schoenbrun

Longs métrages

Film paru en 2021, le premier de la réalisatrice (avant I saw the TV glow). Ça commence comme un film d’horreur : Casey, une ado isolée se lance dans un challenge internet qui implique de répéter trois fois une phrase et mettre un peu de son sang sur l’écran, puis regarder une vidéo. Elle fait des vidéos pour documenter la « transformation » qu’est supposée apporter le challenge, elle est contacté par un autre participant, un mec plus âgé qui dit s’inquiéter pour elle et le chemin sur lequel l’emmène le challenge.

Sauf que ce n’est pas un film d’horreur : Casey est tout à fait consciente qu’elle participe à un jeu en ligne, les propos qu’elle tient dans ses vidéos sont un rôle. Et si le mec qui lui parle est un peu creepy, ce n’est pas dans une veine horrifique, ni même visiblement dans une veine de groomer, il a juste l’air très seul aussi et pas très bon pour construire des récits à plusieurs. Globalement c’est un film sur le fait de grandir seul, avec internet comme principale source d’interaction, un peu en périphérie de communautés en ligne.

On retrouve des éléments communs entre les théories autour de la World Fair et le monde de I saw the TV glow : deux mondes, un réel et un maléfique, le passage entre les deux mondes via un planétarium. Mais dans We’re all going, le monde montrée est le monde réel (et le monde maléfique est imaginaire), dans I saw c’est le monde factice (et le monde réel est présenté comme une délusion pour que les personnages ne s’échappent pas). C’est un film à petit budget, on ne voit vraiment que deux acteurs, et c’est tournée dans la périphérie d’une ville nord-américaine, avec visiblement une ou deux caméras (+ des webcams).

X, de Ti West

Longs métrages,

Slasher paru en 2022. En 1979, une équipe de tournage débarque sur une ferme du Texas profond pour tourner un film pornographique. Mais il s’avère que le couple de propriétaires grabataires ont quelques squelettes dans le placard et vont éliminer l’équipe de tournage, sauf une final girl qui va réussir à les tuer et s’enfuir.

C’était bien tourné et bien référencé (c’est avant tout un film qui parle de cinéastes, donc on sent qu’ils ont fait leurs devoirs : il y a de belles références à Psycho notamment), mais ça reste un slasher classique, et donc – je trouve – pas vraiment un genre de film d’horreur passionnant.

Lilo and Stitch, des studios Disney

Longs métrages,

Film d’animation sorti en 2002. Stitch est une créature bioingéniéré en laboratoire pour être une machine de destruction. Déféré devant la Fédération Galactique, il est condamné (alors que c’est pas exactement de sa faute) à l’exil sur un astéroïde. Il réussit à détourner le vaisseau, et le crashe sur Terre, plus précisément à Hawaï. Ses instincts lui disent de trouver une grande ville à détruire, mais Hawaï en est malheureusement dépourvu. Poursuivi par son créateur et un agent de la Fédération, il se dissimule en se faisant adopter comme animal de compagnie par Lilo, gamine turbulente élevée par sa sœur. Vont s’ensuivre moult quiproquos et situations chaotiques, les deux personnages ayant tendance à faire rapidement – volontairement ou non – escalader toute situation.

C’était sympa. Je le voyais pour la première fois, j’ai trouvé le dessin assez beau (à part quelques passages en 3D pour les vaisseaux spatiaux qui sont assez visiblement datés), l’animation est fluide et les persos attachants. J’ai trouvé que la fin était un peu ratée avec des enjeux qui remontent, redescendent, des nouveaux antagonistes, d’anciens antagonistes qui deviennent des alliés… Et globalement Stitch sert un peu trop de couteau suisse, entre créature chaotique, puis mignonne, puis impulsive, puis intelligente… Notamment les passages où il parle ça marche assez mal.

Mais globalement, recommandé.

Elder Race, d’Adrian Tchaikovsky

Des livres et nous, ,

« Toute technologie suffisamment avancée, etc. »

Novella de science-fiction/fantasy publiée en 2021.

Dans la capitale de Lannesite, la quatrième fille de la reine entend parler d’un démon qui ravage les royaumes forestiers voisins. Elle a été bercée toute sa jeunesse des exploits de son ancêtre, qui avait vaincu un démon avec l’aide du sorcier Nyrgoth. Alors contre l’avis de la cour, elle part demander l’assistance du sorcier, reclus dans sa tour au milieu des montagnes.

Dans son poste d’observation au milieu des montagnes, Nyr est en hibernation prolongée, dans l’attente d’un contact de la Terre. Il y a 300 ans, il a rompu tout les protocoles de sa mission d’observation scientifique et aidé Astresse, une reine locale, à vaincre un seigneur de guerre qui avait réussi à s’emparer d’une technologie originaire de la Terre. Une descendante d’Astresse vient à nouveau le solliciter, est-ce s’impliquer dans les affaires des locaux lui permettra d’oublier la dépression que l’isolement perpétuel fait peser sur lui ?

La novella raconte l’histoire en alternant entre les points de vue de Lynesse et de Nyr, et leurs tentatives de communication, compliquées par le fait que les mots n’ont pas le même sens pour eux deux : quand Nyr dit « scientifique », Lynesse interprète le mot comme « sorcier », leur compréhension de l’histoire du monde et du fonctionnement de l’univers n’est pas la même, ce qui pour Lynesse est des mythes anciens et de l’histoire, voire son propre passé pour Nyr, qui en revanche a du mal avec les conventions sociales et les sous-entendus du langage de Lynesse.

Les personnages sont un peu des archétypes de leur genre, mais la nouvelle fonctionne bien pour mettre en scènes les différences de perception liées aux différences de culture/niveau technologique, type cargo cult. Je pense que le concept fonctionne bien en tant que novella, ça aurait été un peu trop mince pour tout un roman par contre.

Isn’t it romantic, de Todd Strauss-Schulson

Longs métrages

Comédie romantique parue en 2019, sans grand intérêt. Nathalie (jouée par Rebel Wilson) déteste les comédies romantiques. Suite à un trauma crânien, elle se retrouve dans un univers alternatif qui fonctionne selon tous les clichés des romcoms gnangnans. Elle est genre-savvy et veut en sortir, elle va donc faire en sorte de trouver qui doit lui déclarer son amour pour arriver au happy ending et donc à la fin du film. Le concept était rigolo, mais la réalisation ne réussit pas vraiment à déconstruire la romcom, ça reste au milieu du gué entre dénoncer et embrasser les clichés. Le fait d’avoir voulu faire un film PG-13 y joue probablement, il aurait fallu que l’héroïne puisse davantage casser les conventions du genre pour que ça donne un film intéressant.

Le Pédé, du collectif Jeanine Machine

Spectacle vivant, , ,

Spectacle de rue vu dans le cadre du Festival des Arts de Rue de Ramonville. Brice et Corinne proposent de profiter du festival pour organiser la première pride de l’histoire de Ramonville. Mais les spectateurices n’ont pas l’air de savoir l’origine de la pride. Alors il va falloir raconter. Faire un saut dans le temps pour en revenir à la signification de Stonewall, à l’histoire française des mouvements de luttes LGBTQIA+, au FHAR, aux Gouines Rouges, à Allô Ménie, à la dépénalisation de l’homosexualité, aux combats d’Act-up, au PACS, au mariage pour tou·tes…

C’est du spectacle de rue, pas une conférence. Brice Lagenèbre incarne les différents personnages de l’histoire, jouant aussi bien Françoise d’Eaubonne que Frigide Barjot, Guy Hocquenghem comme Ménie Grégoire. La masse des spectateurices sert de décor, recréant la participation du FHAR aux cortèges du 1er mai (et l’accueil homophobe des syndicats), la première pride française… C’est prenant, instructif (je suis arrivé en me disant « Oui ça va Stonewall, je connais », j’ai réalisé que l’histoire française j’en avais aucune idée par contre), ça montre l’importance de la transmission de la mémoire.

Fortement recommandé.

Le Spectacle de Merde, de la compagnie Chris Cadillac

Spectacle vivant, ,

Gala de Jérome Bel x Inside de Bo Burnham x mouvance autonome

Petit florilège de références croisées. J’ai vu ce spectacle dans le cadre du Festival des Arts de Rue de Ramonville. Un parking, quatre camions, une dizaine de performeureuses. C’est un spectacle assez difficile à décrire, parce qu’il se passe plein de trucs, très différents. Y’a la lecture d’une note d’intention bordélique au début, des numéros avec les camions, des déguisements pour les camions, des chansons (collectives ou individuelles, originales ou plagiées), des poèmes, de la magie, du standup, des cascades, des interludes, des récits de vie, un défilé de mode.

Le côté variété des formes et épuisement d’un dispositif m’a fait penser à Inside (ce qui montre surtout que je manque de références de spectacle et notamment d’art de rue, je pense), le côté numéros de qualité variable mais avec des performeureuses qui se lancent à Gala, et l’aspect punk/anar well à des punks et des anars, que je réduis très rapidement aux totos pour la punchine de sous-titre.

C’était un très bon spectacle, on ne vois pas passer les 3h, même sans consommer de la Perlembourg à prix libre.