Archives de catégorie : Screens, thousands of them

Culture & Gecko

Des livres et nous, Longs métrages, ,

Tiens donc. Ceci est un post que j’avais rédigé au Kenya (daté du 30 décembre) et qui traîne dans les brouillons du blog depuis. En exclusivité donc, un bout de Kenya extemporé.

Bon, je me rends compte que cela fait un certain temps que je n’ai pas aligné des listes de bouquins en me vantant de les avoir lus, plutôt que de vous envoyer des photos de plages paradisiaques.
Mais il est temps de rétablir la vérité : malgré que nous soyons en supposée saison sèche, cela fait une semaine qu’il pleut tous les jours, à durée et intensité variable. Donc je lis, visionne et écoute.
De plus, j’ai eu une liseuse pour Noël, je peux donc transporter un millier de livres sur moi à tout moment. Le bidule est livré avec une série de traducteurs et dictionnaires intégrés, très pratique pour lire de l’anglais (et à plus long terme de l’espagnol et de l’italien). Je voudrais ajouter à ça un certain nombre de livres de base, qu’il est toujours utile d’avoir sur soi. Je pense que je trouverai sans problème Les Deux Testaments et le Coran, mais si quelqu’un sait où trouver une version epub de Je Sais Cuisiner de Ginette Mathiot, qu’il me fasse signe. Quand j’aurais un véhicule motorisé, je suppose qu’un précis de mécanique ne fera pas de mal, et peut-être qu’un rappel des premiers soins pourrait être utile. Et puis bien sûr, j’ai une bonne centaine de romans dessus. En français, en anglais, science-fiction, classiques, polars, romances… J’en ai pour tous mes goûts.

Donc ce que j’ai lu, sur papier ou liseuse :

  • L’Œuvre de Zola. Lu dans l’avion pour Nairobi. Très bon, un de ceux qui se lisent le plus facilement, et bonne préface.
  • The Mammoth Book of Alternate Histories. Un recueil de nouvelles uchroniques. Niveau très variable, mais pas transcendant dans l’ensemble.
  • HHhH de Laurent Binet. Un roman français sur l’attentat qui a tué Heydrich, le chef de la Gestapo. Construction du roman très intéressante, avec des allers retours entre l’histoire, les sentiments de l’auteur, des digressions sur son travail de recherche documentaire… Vaut vraiment le détour.
  • Harry Potter and the Methods of Rationality. Et si la tante Petunia avait épousé un scientifique et qu’Harry avait eu une famille aimante qui l’avait formé au raisonnement scientifique ? Eh bien cela donne un texte bien plus intéressant que la version de J.K Rowling. Vraiment plus. C’est un pavé en anglais, mais je n’ai pas pu le lâcher avant la fin (provisoire, de nouveaux chapitres étant toujours attendus)
    [EDIT 11/04/2016 : la fin est arrivée et elle est cool. Je recommande toujours la lecture de cette fanfiction magistrale]
  • La Coureuse de Maia Mazaurette. Autofiction écrite par une sexblogueuse, La Coureuse explore les thèmes des rapports hommes/femmes, de la séduction, du pouvoir, des relations négatives… C’est très prenant, très stressant, et passionnant (Et je voulais le lire depuis l’annonce de sa sortie).
  • Hard Magic de Larry Correia. Une histoire de détective privé et de magie dans les années 30. L’Univers est attirant, mais le roman commence mieux qu’il ne finit, car il verse trop dans le pulp en cours de route. Les gentils américains contre les méchants japonais, merci bien.
  • L’évangile obscur de Jean-Marie Villemot. Une relecture sous la forme d’un polar des années juste avant que Jésus ne se mette à prêcher. Idée originale, belle description de la Judée de l’époque, mais pas incroyable non plus.
  • The Subtle Knife de Philipp Pullman. La Tour des Anges en français, tome deux de la Croisée des Mondes. Relu en VO à Zanzibar, se lit bien et univers toujours aussi magique.
  • Ourania de Le Clézio. Étrange comme un Le Clézio. Un géographe en Amérique du Sud rencontre les membres d’une colonie utopique.
  • Pour seul cortège de Laurent Gaudé. C’est un Laurent Gaudé. Avec la même histoire tout le monde ferait un truc ridicule et pompeux, Gaudé fait du beau et émouvant. Ça parle du cortège funèbre d’Alexandre le Grand.

J’ai aussi vu des films  :

  • Reinni Lola, film allemand sur une fille qui a 20 minutes pour trouver 100 000 marks. Étrange mais bien.
  • La Cité de la Peur. Comme ça j’ai enfin le contexte de toutes les « répliques cultes » que l’on me balance à longueur de journée.
  • Captain Sky et le Monde de Demain. Dieselpunk. Jolies images, mais l’histoire eut gagné à avoir un minimum de profondeur en plus au lieu d’accumuler les clichés.
  • Beasts of the Southern Wild. Le film avec marqué ARTY tout autour. Suite à la fonte des glaces, une portion de bayou de Louisiane où vit une communauté de marginaux va être submergée. Mais Hushpuppy, héroïne de 6 ans, ne quittera pas l’endroit où elle a toujours vécu. Ajoutez des aurochs carnivores et une caméra tremblotante et vous obtenez un étonnamment bon film.

Sinon, je vous ai promis un gecko : le voici, trouvé en récupérant mon linge.
Gecko de poche

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Kick-Ass 2

Screens, thousands of them,

Mercredi dernier, je suis allé voir Kick-Ass 2 au cinéma. J’avais vu pas mal de critiques négatives donc j’avais un peu d’appréhension, mais au final j’ai vraiment apprécié le film. Or donc, contre-critique. Avec spoilers, évidemment, donc arrêtez-vous ici si vous comptez aller voir le film.

Le film suit en parallèle trois histoires. Celle de Dave, qui reprend le costume de Kick-Ass, s’intègre à une bande de héros et affronte le « premier super-vilain de la vie réelle », son ancien camarade de classe Chris d’Amico. Celle de Chris, montant sa bande de super-villains. Et surtout, celle de Mindy, qui raccroche le costume de Hit-Girl pour tenter de mener une vie de lycéenne normale. Les trois histoires se rassemblant vers la fin pour donner un classique combat final.

Le gros point faible du film est pour moi sa bande-son. Non qu’elle soit vraiment mauvaise, mais elle est facile. Le premier Kick-Ass avait une bande-son vraiment excellente, qui participait très largement de l’ambiance du film. Ici, mettre une version rock de Tetris quand un personnage russe a son moment de bravoure, c’est vraiment moyen. Surtout quand on vous la refait avec Oh When the Saints go Marchin’ in pour un born-again christian.
Le film souffre sinon de quelques longueurs, (la scène du date de Mindy et de ses conséquences), ce qui est un peu dommage pour un film qui a déja beaucoup à dire (trois lignes narratives, rappelons-le).
Enfin, le film est tout de même bien hétérocentré : Mindy qui ne peut s’empêcher d’être toute tourneboulée quand elle voit un clip de pop guimauve ou les abdos de Dave, vraiment ? Le coté « la sexualité, hétéronormée, est inévitable », c’est un poil too much. De même, je me serais passé avec joie du baiser final, qui n’apporte rien à l’intrigue.

Du bon coté de la balance, on a un film efficace, montrant avec pas mal de réalisme les conséquences du fantasme de super-héroïsme dans la vie réelle. Les critiques ont à la fois reproché à Kick Ass une violence gratuite et des relents idéologiques malsains portés par une apologie de la justice faite par soi-même. Je suis assez perplexe. Pour moi au contraire le film illustre bien le fait que les justiciers masqués sont confrontés à une violence qui a des conséquences. Tout ne se passe pas bien pour eux, la violence appelle la violence et le film se finit sur les super-héros raccrochant tous leurs costumes.
J’ai aussi apprécié le film sur un point : il présente des personnages féminins forts. Les deux héros les plus puissants sont Hit-Girl et Mother Russia, et de loin. Le film passe aussi le Bechdel Test (et le Mako Mori Test) haut la main avec la ligne narrative de Hit-Girl. Il faut tout de même nuancer ce propos par le fait que les autres lycéennes semble tout de même toutes assez futiles, même si machiavéliques. Le refus d’une féminité normée semble être l’apanage de quelques élues comme Hit-Girl. Les costumes d’Hit-Girl et de la femme de Remembering Tommy ne sont pas sexualisés, ce qui est plutôt agréable. Ce n’est cependant pas le cas de toutes les héroïnes puisque Night Bitch (le nom, déja…) et Mother Russia le sont.
Le film tacle aussi l’homophobie rampante du comics (et du premier film) par une remarque sur le ridicule des insultes homophobes. (Au passage, j’ai revu Kick-Ass et si l’histoire est bien, il y a quand même beaucoup d’homophobie et de Women in the Fridge.)
Le personnage de Hit-Girl est pour moi le gros point fort de la série. Un personnage féminin fort, avec ses propres motivations et objectifs, plus capable que la plupart des autres personnages, et vraiment quelque chose que l’on voit rarement dans l’univers des comics.

Au niveau de l’esthétique, le film est moins audacieux que le premier, mais le traitement des envois de textos et des sous-titres est intéressant.

En définitive, un bon film, qui est plus classique en sa facture que l’épisode 1, mais avec des personnages plus intéressants et fouillés.

Sinon, dans un genre complètement différent j’ai vu Michael Kohlaas.

The Blind Side, de John Lee Hancock

Longs métrages

Film de 2009 avec Sandra Bullock. Inspiré d’une histoire vraie, une famille blanche adopte un ado noir paumé qui devient champion de football américain. Un peu trop bourré de clichés pour moi. En plus l’histoire est centrée sur la mère adoptive. Je suppose que si un black réussit, il faut chercher le blanc au grand cœur responsable. Accentuée quand le film met en exergue le contraste entre la famille blanche aimante et religieuse et les quartiers pauvres et noirs où l’on trouve de la drogue, du sexe et de la violence. Le personnage de Sandra Bullock est intéressant en ce qu’il nous montre une femme volontaire et qu fait preuve d’initiative, mais gâché par le fait que l’on ne la voit se battre que pour sa famille (ah, l’instinct maternel des femmes). Elle reste dans le care malgré tout.

Iron Man III, mieux vaut être une armure qu’une minorité.

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Revenu du dernier blockbuster en date. Assez navrant. Il est mieux que le II (mais qu’est-ce qui est pire qu’Iron Man II ?) mais clairement pas à la hauteur du I. Ça part dans tous les sens sans savoir où aller, ça traine en longueur dans les séquences qui ont le moins d’intérêt… Et au milieu de tout ça, de vraies bonnes idées. C’est le plus navrant. On sent qu’il y avait du potentiel mais qu’il a été étouffé du début à la fin.

ATTENTION, LES SPOILERS COMMENCENT ICI.

Déja, le scénario. C’est exactement celui des deux premiers : Tony Stark est immature, mais des épreuves vont le faire grandir. Il affronte un terroriste étranger qui se révèle être soutenu par un industriel américain. A chaque film on en revient au même point, aux mêmes problématiques. Autant revoir le un.

Ouvrir le film sur Blue de Eiffel 65 annonce clairement la couleur au niveau du mauvais goût, au moins on est prévenu. Ça va de pair avec le blabla scientifique qui n’a juste pas de sens « je peux décoder l’ADN et le réécrire, comme il y a une case vide dans ton cerveau (il n’y en a pas) tu vas devenir explosif mais tes bras vont repousser ». Le film n’est pas à une incohérence près, puisque la majeure partie repose sur le fait que Stark ne possède qu’une armure déchargée quand on apprend à la fin qu’il en a 41 autres en attente intacte dans sa cave, qu’il peut toutes contrôler à distance. Cool. Tout ça ne sert donc juste qu’à nous refourguer un gamin sidekick comique, une idée profondément originale. Entre ça et les références à Noël on pouvait penser que l’hommage à Maman j’ai raté l’avion était assez appuyé, mais non, Stark décide d’un coup de se faire des gadgets maison pour aller prendre d’assaut les méchants. Là ça vire à Die Hard, le héros solitaire qui va sauver sa belle à Noël. Sauf que Stark n’est pas censé être un homme d’action. Mais là, infiltration tranquille sans aucun problème. Merci la continuité.

Merci la continuité aussi quand Stark dit à Rhodes que non il ne peut pas avoir d’armure. Elle sont configurées pour lui seul. Ah, et Rhodes en avait pas volé une à l’épisode précédent ? Et Pepper n’en a pas mis une deux fois dans le film ? Oui mais non, Rhodes peut bien crever contre les méchants en hyperthermie.

La scène qui m’a fait le plus frémir est celle qui pouvait paraitre féministe dans la bande annonce : Pepper dans une armure, qui sauve Tony. Sauf qu’en fait c’est Tony qui lui a collé l’armure sur le dos, et qui la lui reprend sans plus de consentement : Let the patriarchy empowers you, baby. On a un très rapide rattrapage sur la fin quand Pepper et ses nouveaux pouvoirs EXTREMIS vainquent le méchant. Tony s’empressera de les lui retirer plutôt que de les stabiliser. Faudrait pas qu’elle puisse être à niveau égal avec lui, hein. Étonnamment le film passe le Bechdel test, grâce à une discussion entre Pepper et Maya. Mais à part ça, Pepper est totalement inactive, un trophée disputé entre Tony et Killian.
[EDIT 17/05 : Un bon article qui analyse le problème de l’absence d’agenda de Pepper et du fait que ses pouvoirs lui sont toujours conférés puis retirés par les hommes.]

Le film est aussi bien classiste : Tony Stark chez les bouseux, avec notamment sa rencontre avec Gary.
Il massacre allègrement les concepts derrière l’Iron Patriot (supposé être une incarnation du nationalisme dans le comics, ici pas grand chose)

Il y a quand même des choses à sauver, hein : La performance de Kingsley en acteur complètement drogué, la réplique « Honestly? I hate working here, they’re all weird… », le PTSD de Stark (largement sous exploité et qui semble plus être un teaser pour le prochain Avengers qu’autre chose…)

En résumé, le film hésite entre des genres et des histoires différentes sans jamais arriver à faire un choix, ce qui appauvrit énormément son potentiel.

Travail de la Terre et Tournoi de Tarot

D, Obi-wan Nairobi., Screens, thousands of them,

Bon, bon, bon. Je n’ai pas posté depuis un certain temps (l’ouverture du blogueur qui ne va rien dire dans le post et attendre encore deux semaines avant d’en écrire un autre)

Que vous dire ? Les essais aux champs n’ont jamais été aussi proches (pour rappel, ils vont durer trois mois et je pars dans un mois) : on a délimité les parcelles, commencé à couper les filets, sarclé le terrain… Mais bon, c’est toujours pas transplanté, et visiblement mon expertise en travail aux champs est nécessaire pour que la moindre manœuvre se fasse. Étant donné que les gens avec qui je travaille passent leur temps à faire ce genre d’essai et que c’est mon premier, j’aimerai un peu d’initiative de leur part (et en plus, à donner les ordres en tant que blanc qui n’y connait rien aux mecs qui font ça depuis dix ans, je me sens tout sauf légitime.)

Sinon hier soir nous sommes allés (« nous » étant Babar, sa thésarde Janis Joplin, arrivée dimanche et ici pour deux mois, et moi-même) faire un tarot chez un ami de Babar. Avec ma tendance à la sociabilité j’y suis allé en trainant un peu des pieds, mais au final ce fut une super soirée. Le rhum arrangé n’a rien gâché. Et puis j’étais un peu en mode « J’en ai marre je veux rentrer », ça m’a remonté le moral. Et il semblerait que je m’améliore enfin en tarot.

Sinon j’ai vu Django Unchained, j’ai revu le Nom des Gens et j’ai commencé la série In Treatment.

Skyfall : l’idéologie du Tea Party, l’esthétique de Woodkid.

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Je reviens du cinéma, où j’ai vu Skyfall (le dernier James Bond). Après quelques inquiétudes en début de séance (l’image était trapézoïdale et tremblait), le film a finalement été projeté dans d’excellentes conditions. J’ai vraiment été pris dans le film, mais j’ai désapprouvé ce qu’il me disait à plusieurs reprises, puis en continu. Je voudrais donc tenter de faire une analyse du fond (la forme étant magnifique).

WARNING : Spoilers everywhere.

Résumons rapidement l’histoire : un ancien agent veut prendre sa revanche sur M, la cheffe du MI6. Bond l’en empêche. Comme pour tous les James Bond, l’histoire n’est pas particulièrement complexe. Le twist qui se rajoute à ce scénario, c’est que ce film marque les cinquante ans de la franchise. Il fallait donc rendre hommage aux précédents opus, et c’est pourquoi un certain nombre de gimmicks abandonnés lors de l’arrivée de Daniel Craig dans le rôle-titre reprennent du service. Le film n’est jamais aussi bon que lorsqu’il déconstruit sa mythologie. La scène où 007 rencontre Q, jeune geek lui déclarant qu’il est plus efficace avec son ordi avant son premier Earl Grey que Bond ne l’est sur le terrain est un bijou. La présentation des gadgets se résume à la transmission d’un Walther PPK et un transmetteur radio. Les stylos explosifs, « on ne fait plus vraiment ». La couleur est annoncée : retour aux bases, on joue avec les références sans se laisser écraser. On retrouve aussi l’Aston Martin où Bond menace négligemment M d’éjection avant de se voir répondre « Go on, see if I care« , et le martini, accueilli d’un « perfect » par Bond quand la barmaid lui présente le contenu d’un shaker.

Le problème est que si le film joue avec ses propres références, il est tout à fait sérieux dans les valeurs qu’il promeut depuis le début de la série. Ou plutôt la valeur : la Virilité, la Vraie. Le film véhicule le message le plus patriarcal que j’ai vu au cinéma depuis longtemps. Le film commence par le tir de sa coéquipière sur Bond. Laissé pour mort, 007 se refait une santé dans les bars turcs en buvant de l’alcool et en défiant les scorpions. Il a été recueilli par une femme que l’on ne voit que au lit avec lui. Elle est le repos du guerrier, elle le soigne, l’héberge et le détend. On ne saura rien sur elle, sitôt qu’il apprend que la patrie et surtout sa supérieure M est en danger, Bond l’abandonne pour repartir en Angleterre.
M est menacée d’un audit par l’exécutif anglais suite à la perte d’une liste révélant l’identité des agents infiltrés de l’Agence. McGuffin absolu que cette liste, la question étant ici de savoir pourquoi le voleur semble tant en vouloir à M personnellement. M est la mère de substitution de Bond et de visiblement tout le MI6, ses agents lui sont très attachés. Deuxième figure féminine donc, la mère. M pourrait représenter un personnage de femme forte mais elle est remise en question, ses erreurs sont à l’origine de tous les problèmes du film et durant la bataille finale elle est protégée par Bond, quand elle tente de tirer sur un assaillant elle rate son tir. Il lui déclarera même textuellement « Get in the kitchen ».
Bond retrouve aussi celle qui lui a tiré dessus. Elle l’accompagne à nouveau sur le terrain. Agent de liaison elle reste en retrait en ce qui concerne l’action mais se retrouve dans une scène où elle rase Bond. La femme au service de l’homme, avec un très fort sous-texte sexuel, puisqu’elle est à genoux (de profil dans une robe très moulante) devant lui assis, et qu’elle passe un rasoir sur sa gorge : il met sa vie(rilité) entre ses mains, pas besoin d’être un génie pour reconnaitre une fellation. A la fin du film, Eve décide de demander un poste de bureau. Il se révèle qu’elle est Ms. Moneypenny, la fidèle secrétaire amourachée de Bond. La femme abandonne son fusil d’assaut, symbole phallique, pour retrouver sa vraie place « à la maison » et admirative de l’homme d’action, tout rentre dans l’ordre.
La femme suivante est encore plus archétypale, puisqu’il s’agit d’une prostituée possédée par une triade. Elle flirte avec Bond, fait l’amour avec lui puis après avoir été battue, meurt tuée par le méchant. Bond déplore plus la perte du verre de scotch qu’elle portait que sa mort, pas une larme ne sera versée sur elle, la femme-objet jusqu’au bout des ongles vernis.
Les personnages féminins sont donc des caricatures, mais pas autant que les masculins. Face à Bond se retrouve un méchant qui est visiblement gay (il flirte avec Bond), et pourquoi est-il méchant ? Eh bien visiblement il n’a pas résolu son Œdipe avec M. Là où Bond est indépendant, tient tête à sa cheffe, bref est un homme puisqu’il a coupé le cordon, Silva est un homo psychopathe et pleurnichard parce qu’il en veut à M de l’avoir abandonné lors d’une mission. Il ne veut pas la tuer, il veut se suicider avec elle. Bond heureusement l’en empêchera mais M. succombera à ses blessures. Son successeur sera un homme : le patriarcat a enfin corrigé cette anomalie d’une femme au pouvoir.

Le discours de M devant la commission d’enquête est aussi un point qui vaut le détour : se voyant reprocher sa prédilection pour les agents de terrain et l’action directe, elle déclare que nous vivons dans un monde hostile, où nos ennemis sont désormais flous. Bref une apologie de la société de surveillance et de la manipulation par la peur. Elle déclare carrément « I’ve never been so frighten. » Onze septembre mon amour.

Le film est visuellement magnifique, avec des jeux sur les ombres et les couleurs (et le générique est un monument de kitsch). On passe de la Turquie à Londres, de Macao à une ville fantôme soviétique et de Shanghai à l’Écosse. Les gens sont toujours impeccablement habillés, les landes désolées, les villes illuminées et les bunkers souterrains pleins de cachet. Le film colle à l’esthétique en vigueur en ce moment : photographie haute définition et cachet rétro ; il présente tous les clichés visuels possibles, une photographie Instagram aux dimension d’un film. Cette esthétique sert un propos : une glorification des classes sociales dominantes. En effet, Bond représente une aristocratie polyvalente : Il incarne à la fois le dominant en matière de genre : Homme blanc hétéro cisgenre, il maitrise les codes de la virilité : capable d’utiliser la violence (de façon extrême, puisqu’il surclasse même Die Hard en détruisant un hélicoptère avec une maison), sachant boire, doué avec les véhicules (et attaché à eux, il s’énerve vraiment quand on lui casse son Aston Martin) et habile au lit. Mais il maitrise aussi les codes de la richesse : il voyage à travers le monde, est toujours habillé d’un smoking irréprochable (sans qu’il ait besoin d’en prendre soin : d’autres le font pour lui, en bon riche il n’a pas besoin d’avoir à se coltiner avec la réalité), va au casino, maitrise les usages en vigueur quel que soit le lieu, et possède des racines anciennes et chrétiennes : sa famille possédait un domaine en Écosse, le Skyfall du titre dans la chapelle duquel tout se finira. Et au fur et à mesure du film on effectue une régression dans le temps. Ouvert sur le monde (on commence dans les rues commerçantes d’Istanbul), le film se restreint au monde des élites (le méchant est capable de posséder une île entière, une ville fantôme visuellement époustouflante. La beauté appartient aux élites), puis se replie sur l’Angleterre, l’Écosse et enfin le domaine familial. La technologie devient moins présente, puisque Bond se défend au final avec un fusil de chasse, un couteau et de la dynamite. La conclusion dans les bureaux du MI6 où Bond rencontre le nouveau M pourrait se passer dans un bureau des années quarante. Adieu donc monde moderne, revenons au temps où les hommes étaient de vrais hommes.

En résumé, allez le voir pour l’esthétique, mais restez critique.

Once Upon a Time S02E01 : critique

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Le voyage en train d’hier soir a été l’occasion de regarder le premier épisode de la seconde saison d’Once Upon a Time (OUT), une série américaine à propos de personnages de contes de fée exilés dans notre monde (voir mes impressions sur la première saison ici).
Premier épisode plutôt prometteur, qui reprend certains des défauts mais surtout les qualités de la première saison, avec une volonté d’étendre l’univers dépeint. L’épisode s’ouvre ainsi sur une scène à New York où un inconnu reçoit d’un pigeon voyageur une carte postale vintage de Storybrooke ne portant qu’un seul mot : « Broken ». On n’en entendra plus parler pour l’épisode, laissant les pistes ouvertes quand à l’identité du destinataire et surtout de l’expéditeur.
On retrouve rapidement les deux étoiles de la série : Regina (Lana Parilla) et Rumpelstilkin (Robert Carlyle), dont les jeux sont toujours aussi bons. Leurs personnages se retrouvent face au même défi : composer entre leur volonté de puissance et de vengeance et les attentes de ceux qu’ils aiment (Belle pour Rumpel, Henry pour Regina). La scène où Regina se retrouve face à la populace qui lui demande des comptes et les terrifie simplement par son attitude est excellente, tout comme la confrontation entre Rumpel et Regina. Globalement, les scènes ou les personnages jouent avec leurs soudaines doubles identités sont bien faites (la réunion des sept nains notamment).

On retrouve avec déplaisir Henry le gamin chuintant, mais il arrive suffisamment tard dans l’épisode, donc cela reste supportable. On peut aussi déplorer un effet spécial très laid et deviner sans peine la catchphrase de cette saison : « Magic is different here ».

Coté Royaumes, on retrouve la Belle au Bois dormant dans un palais au style très oriental, retrouvée par son prince Philippe et une nouvelle venue qui réjouit : Mulan. Visiblement Disney profite de son influence sur la série pour agréger toute sa mythologie, mais cette fois-ci c’est accueilli avec plaisir. Mulan ajoute un personnage à la galerie du Girl empowerment de la série (on attend toujours un membre déclaré des minorités sexuelles et de genre par contre) et sera visiblement le quota ethnique de cette saison, ce qui est un progrès par rapport au génie de la lampe de la saison 1.

Enfin, un clin d’oeil à LOST : la storyline des Royaumes s’avère ne pas être un flashback comme dans la première saison mais un flash-aside se déroulant en même temps que l’histoire dans Storybrooke. On découvre qu’une partie des Royaumes a tenu contre le Sort de Regina, pour une raison inconnue (quête de la saison, bonjour). Et Blanche Neige et Emma s’y retrouvent propulsées, ce qui va donner l’occasion de mettre en scène un quatuor de Power Girls puisqu’elles sont découvertes par Mulan et la Belle au Bois Dormant (désolé je ne connais pas les noms des princesses Disney). Ça permettra aussi à Blanche Neige et Emma de créer la relation mère/fille qui leur faisait défaut (ce dont Blanche Neige se plaint très explicitement, un peu plus de subtilité dans le foreshadowing n’aurait pas fait de mal.)

Donc plein de pistes interessantes qui augurent bien pour cette seconde saison.

The Dark Knight Rises : critique

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Caveat lector : l’article à venir contient bien évidemment des spoilers. Passez votre chemin si vous souhaitez voir le film sans en connaitre les ressorts.

Je ne suis pas le public ciblé par ce genre de film. Je représente la petite minorité de nerds qui connaissent trop les comics dont sont issus les films pour ne pas râler à la plus petite trahison faite au matériel original. Cependant, même en passant outre ces détails, j’ai un avis sur The Dark Knight Rises. J’ai vu le film dans d’excellentes conditions, en VO non sous-titrée sur IMAX, dans un multiplexe de la banlieue de Philadelphie, mais je n’ai pas été transporté par le film. Là où The Dark Knight avait été une excellente surprise, TDKR retombe pour moi dans les travers de Batman Begins.

Tout d’abord, les sources de Nolan : c’est un mélange d’un certain nombre d’arcs présent dans les comics, et franchement peu de choses me semblent originale dans ce film, jusqu’à certaines répliques que j’ai pu identifier.
Batman reclus depuis bien longtemps ? The Dark Knight Returns de Frank Miller. Bane arrivant à Gotham et brisant le dos de Batman ? Knightfall. Gotham isolée et dirigée par des bandes ? No Man’s Land. Un personnage qui veut de quoi effacer son passé ? C’est Bane lui-même dans Veritas Liberat. L’héritier de Ras Al Ghul ? Talia est un des personnages proéminent dans tout Batman. Globalement, ce sont de bon concepts que Nolan a choisi de reprendre, des arcs forts et brillants. Et on ne peut pas vraiment lui demander de trouver une histoire complètement neuve sur un personnage tel que Batman sur lequel la plupart des possibilités ont déjà été explorées. Cependant, avec The Dark Knight, il avait pris l’histoire la plus classique de Batman et il en avait fait quelque chose de brillant. Ce n’est pas le cas ici.
Au visionnage, je n’ai pas vu tant de trous que ça dans le scénario, mais ils sont tout de même gênants. Bruce Wayne ruiné s’échappe d’une prison du bout du monde et en moins de deux jours il est à Gotham City, en costume, pimpant et prêt à sauver le monde ? Même chose pour les policiers enfermés depuis cinq mois dans les égouts, qui en sortent dans une telle forme qu’on se demande si après avoir réglé son compte à Bane ils ne vont pas aller participer aux Jeux de Londres.

Bref. Ce que Nolan nous offre, c’est une histoire à propos de dépasser sa peur, d’accepter de la regarder en face et de vivre avec. C’est l’histoire d’un homme sociopathe et paranoide qui dédie sa vie et sa fortune à combattre le crime pour se punir de n’avoir pas pu en empêcher un quand il était enfant, et qui se rêve en créature d’ombres, un croquemitaine surpuissant qui ne pourrait jamais mourir ni avoir peur et qui s’enferme dans cette image, se coupant de toute joie de vivre. Sauf que. Sauf que quand on passe 2h30 à expliquer qu’il faut accepter la peur de la mort parce que c’est ce qui nous connecte à l’Humanité, on ne brise pas le dos du personnage central pour lui remettre en place VINGT PUTAIN DE MINUTES APRÈS ! C’était le gros problème de l’arc Knightfall (qui était résolu par une tempête magique) et c’est le même problème ici, avec une résolution encore plus foireuse : « T’as le dos brisé ? C’est pas grave, je suis médecin et j’ai le summum de la technologie à ma disposition : une corde ! Abracadabra ! ». Tout le début du film est fait pour montrer à quel point la situation est désespérée pour Batman, mais au final tout se résout en trois coup de rebondissement scénaristique approprié, sans aucun sacrifice. Imaginez le film si Batman avait du revenir dans un exosquelette ou amputé des jambes (je vous laisse imaginer le crossover De Rouille et d’Os/The Dark Knight Rises), ou n’importe quoi d’autre qui montre que les deux premières heures du film n’étaient pas totalement superflues.
Ce que je reproche ici à Nolan, c’est de prendre deux directions complètement opposées à la fois : il veut inscrire ses films dans la réalité (exit la science-fiction, les gadgets, l’esthétique fantasmagorique) et en même temps il s’accroche fermement au coté « Rien n’a de vraies conséquences, tant que tu crois au pouvoir de la volonté tout ira bien mon enfant »).

Un autre truc absurde ? La soudaine révélation que Bane n’est pas le fils de Ras Al Ghul mais que oh mon dieu, en fait, Miranda ! Déja c’est amené avec la subtilité d’une bande annonce pour un film de Michael Bay, mais en plus, qu’est-ce que ça apporte à l’histoire ? La conclusion du combat Bane/Batman est complètement mise de coté par cette révélation, juste pour nous rajouter une course-poursuite, une mort sans intérêt d’un personnage qui aura été développé sur cinq minutes et une nouvelle situation sans issue qui sera résolue dans la minute.

J’ai aussi grincé des dents devant le fait que Gotham City soit si évidemment New York. D’accord Gotham City est très fortement inspirée de New York, Gotham est un des surnoms de New York, mais Gotham N’EST PAS New York. Et ça a son importance. Parce que Gotham est au final une ville qui n’a pas tant d’influence que ça. Que c’est une ville avec une place dans l’économie des États-Unis, mais ce n’est pas ce pôle essentiel qu’est New York. Et que c’est pour ça que dans les comics les États-Unis laissent Gotham échapper à leur juridiction. Si Gotham était si centrale et importante économiquement que New York et un tel symbole aux yeux du monde entier, les États-Unis ne laisseraient pas un fou en faire son terrain de jeu pour cinq mois. Ils tenteraient quelque chose, quel que soit le prix en vies humaines. (et en plus les vues aériennes dans le film ne correspondent pas du tout à la carte de Gotham, mais je doute que ce détail dérange beaucoup de gens). Là encore, on est dans ce coté conflictuel entre réalisme et grand spectacle. TDR fonctionnait parce qu’aussi tordu soit-il, le Joker était un méchant à taille humaine. Il se battait au couteau et torturait les gens un par un (bon, il prenait aussi deux ferrys entiers en otage, mais en comptant plus sur la manipulation psychologique que sur la tonne d’explosif qu’il avait acquis on ne sait comment). Bane se balade avec une bombe atomique dans New York, cinq millions d’otages retenus cinq mois durant (dans une cité portuaire) et a planifié le tout sur tellement de temps qu’il a refait toutes les fondations de Gotham en béton explosif. (et pourtant un mec seul va l’arreter sans moyen mais juste avec sa détermination. Si la résolution avait pris place un jour férié, j’aurais juré avoir vu Die Hard 5 plutôt que Batman). Et au final il n’a pas plus de plan que le Joker, mais avec des motivations puisées dans l’intrigue de Batman Begins : « On va foutre le bordel partout … parce que Gotham est corrompue ».

Un autre problème est le manque de subtilité, particulièrement dans la conclusion. De nombreuses choses aurait pu être simplement suggérées. Quelqu’un a installé un pilote automatique dans le batplane ? On se doute bien que c’est Bruce Wayne et pas Fred Astaire. John Blake s’appelle en fait Robin et on va lourdement insister dessus dans une scène où il est dans un orphelinat ? Pourquoi ne pas lui donner l’état civil d’un des Robins, ou le mentionner juste en passant ? Et la toute fin, ne pouvait-on pas voir juste Alfred juste sourire, sans nous montrer que oui, là dans le café où il espérait le rencontrer, oui c’est bien Wayne, oui Bruce Wayne, qui est là aussi.
On peut aussi s’attarder sur ce réacteur à fusion qu’on pourrait si facilement transformer en bombe nucléaire oui mon bon Lucius ce serait terrible si cela arrivait gardons-le intact plutôt que sous forme de plans. Niveau réalisme et subtilité on se croirait dans Iron Man II.

Deux des grandes idées qui parcourent TDKR, la révolte contre l’autorité si celle-ci n’agit pas pour le bien des citoyens, et l’idée que l’Idée que le Masque symbolise est plus importante que l’Homme qui le porte, ont déja été abordée dans V pour Vendetta et avec plus de réussite pour moi (voire la géniale scène de fin de V pour Vendetta où une armée de citoyens/V ôtent leur masque et où tous les personnages du film – vivants ou morts – en font partie).

Ce que j’ai bien aimé (il en faut bien un peu) :
– Le tribunal dont l’esthétique renvoie directement à l’Asile d’Arkham et à Tim Burton
– Le costume de Bane, avec son manteau de seigneur de guerre russe.
– Le fait que Nolan clôt sa trilogie sur la mort de Batman. C’est pour moi LE point de réalisme de ce film par rapport aux comics, où Bruce Wayne revient encore et toujours. Il ne peut pas être Batman indéfiniment. Son corps est détruit de partout, il ne tient qu’en se consumant de l’intérieur. Pour que Batman vive, il est indispensable que Bruce passe la cape à quelqu’un d’autre. Le comics se refuse à laisser cette transmission arriver, malgré plusieurs tentatives (et des résultats intéressants, notamment l’arc Battle for the Cowl, où après compétition dans la Batfamily, Nightwing reprenait l’identité de Batman, passation immédiatement perçue par Gordon étant donné que le nouveau Batman le laissait finir ses phrases avant de disparaître. Je m’égare, mais si vous êtes intéressés par le sujet des passations de costume chez les superhéros, sachez juste que dans la collection Ultimate Marvel, Peter Parker est mort et un gamin de quatorze ans nommé Miles Morales a pris l’identité de Spiderman).

Enfin, une théorie personnelle : tout le monde sait qui est Batman. Wayne et Batman était en Asie en même temps, ils se sont retirés de la vie publique en même temps, y sont revenus en même temps, Blake et Bane connaissait son identité (et tous les hommes de main de Bane avec, du coup). Il n’y a que Gordon, aveuglé par sa loyauté au symbole, qui ne peut pas voir l’homme derrière et qui a besoin de se le faire dire. Pour tous les autres c’est évident, et c’est juste mis de coté. Tant que Batman n’est plus là, pas la peine d’aller embêter Wayne, c’est une grosse huile et il pourrait causer des problèmes. Une fois qu’il est revenu, il a juste le temps de sauver le monde avant de mourir, c’est pourquoi personne ne lui cherche des noises. Et après même si tout le monde sait, tout le monde est aussi d’accord que Batman en tant que symbole est plus important que Bruce en tant qu’homme. C’est pourquoi la question n’est pas abordé et que personne n’est mon plus abasourdi par leurs morts conjointes (et l’absence de corps pour Bruce.)

 

Enfin, quelques lectures complémentaires sur le sujet :
Une descente en règle (et d’assez mauvaise foi) du scénario chez l’Odieux Connard.
Les thématiques du film chez Slate.
Une critique de la façon de filmer de Nolan.
Et enfin une critique positive du schmilblick.

À la lueur de l’écran.

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Entre deux billets pseudo-littéraires, un petit retour terre à terre sur mon actualité ordivisuelle :

J’ai regardé Once Upon a Time, une série dont l’idée est la suivante : suite à un maléfice, tous les personnages de conte de fée se retrouve dans notre monde, sans aucun souvenir de leur vie précédente. Une seule a le pouvoir de briser le sortilège…
La série fait des va et vient entre Royaumes Enchantés et ville de Storybrooke, il y a du très bon et du moins bon. Et dans la phrase d’après il y a des spoilers donc sautez le paragraphe si vous voulez garder la surprise. Le bon, c’est le jeu de Lana Parilla et de Robert Carlyle dans les deux mondes. Robert Carlyle fait un excellent vilain à tous les points de vue. Lana Parilla, un peu moins a cause du scénario avec lequel elle doit composer. Il faut vraiment attendre les tous derniers épisodes pour la voir devenir un peu moins monolithique et manichéenne. On aurait aime la voir un peu plus en mère qui ne sait pas quoi faire pour ne pas perdre l’affection de son fils. Dommage aussi que l’on sache si rapidement que toute l’histoire de conte de fée soit absolument vrai et pas juste les délires d’Henry. Qu’on le sache et que pourtant le scénario n’en fasse rien jusqu’aux deux derniers épisodes, ou l’entremêlement des deux histoires révèle tout son potentiel. Du bon cote des choses, la partie conte de fée est vraiment bonne de par l’interaction de personnages habituellement séparés (connaissiez-vous l’amitié profonde liant Blanche-Neige et le petit chaperon rouge ?), et la réécriture féministe (si vous pensez que Blanche-Neige attend son prince, vous allez être surpris). Les répondants entre les deux mondes sont inégalement gérés (le Prince Charmant en tant que John Doe dans le coma était magnifique, mais répéter la même histoire entre d’amour entre un nain et une fée… bof.)
Le final est vraiment le plus réussi de la série, avec deux regrets mineurs : HUGE SPOILER j’aurais voulu qu’Emma gagne le combat contre le dragon avec son flingue plutôt que l’épée, et c’aurait du être Regina qui réveille Henry. Enfin cet aspect lisse des rebondissements c’est le coté Disney (qui subventionne la série). En tout cas le final donne vraiment envie de regarder la saison 2, il aurait même pu faire deux fins de saison.
Sans être un chef d’œuvre, OUT est une série à voir.

J’ai aussi commence Rubicon et Fringe mais aucune des deux ne m’a convaincu.
J’ai vu Solutions Locales pour un désordre global, documentaire sur l’agriculture bio, que je n’ai pas du tout aimé. Moralisateur, aucune source citée, un mention de « l’influence des astres sur les plantes »… Beurk.

Par contre, j’ai adoré Le Nom des Gens, enfin un bon film français.

Et sinon, une petite playlist parce que cela fait longtemps.

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Vijay Iyer Trio

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Un groupe de jazz indien. Qui fait une reprise cool d’une chanson déjà cool de Miles Davis (11/03/2016 :reprise perdu avec Grooveshark. Une autre chanson pour remplacer). Absolument pas dans un style indien. Parce qu’il y en a marre des stéréotypes sur les cultures.

Sinon, pas grand chose de trépidant ces derniers temps. Rédaction de statuts Facebook du rapport, surf, films… (2009, Lost memories (mauvais), The Girl Who Leapt Through Time (bon)…)