Archives de catégorie : Longs métrages

Présidents, d’Anne Fontaine

Longs métrages

Film français de 2021. Nicolas, ancien président de la République de 2007 à 2012, est incapable de se dire que ses années au pouvoir sont derrière lui, et inquiet de la montée en puissance du Rassemblement National. Pris d’une inspiration subite, il part en Corrèze chercher François, ancien président de 2012 à 2017, pour le persuader de fonder ensemble un nouveau mouvement transpartisan qui les remettrai en selle…

C’était assez étrange. Dans le pitch on dirait une fanfic, dans les moyens du film et dans le focus sur les sentiments des personnages plutôt que sur les grands événements aussi. Mais c’est une fanfic qui peut se permettre de débaucher Dujardin comme acteur principal, ce qui donne quelque chose d’étrange. L’imitation de Sarkozy part Dujardin est assez intéressante, mais elle fluctue largement d’un bout à l’autre du film, il ne tient pas du tout le personnage, la gestuelle et les intonations de langage en permanence, ce qui rajoute un peu au côté cheap de l’objet. Après c’était rigolo à regarder : la plus grande partie du film se déroule dans un petit village coupé de tout, on n’est pas du tout sur un commentaire sur les jeux de pouvoirs de la politique réelle, c’est les deux figures des anciens présidents comme deux archétypes de personnes, leurs doutes et leur envie de lumière. Tout se règle entre quelques personnes, les préoccupation du quotidien sont bien plus importantes que les enjeux de pouvoir : il y a des petites phrases et des évocations du passé (qui donne d’ailleurs de très bonnes blagues), mais pas de question sur le rapport de Sarkozy à la justice par exemple, le film est très lissé là dessus. Nicolas est préoccupé par la santé de son ratier de Prague, François joue du saxo à la fête du village, leurs compagnes sont pleine de naturelle et de préoccupations pour la vie des vraies gens, il n’y à pas d’enjeux d’argent ni de vraies questions politiques au delà de « s’unir contre le FN ».

Bref, c’était anecdotique mais agréable à regarder dans l’optique fanfic/étude de caractère, c’était ce que j’y cherchais donc je n’ai pas été déçu.

The Wicker Man, de Robin Hardy

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Film britannique de 1973. Un policier débarque sur Summerisle, une petite île au large des côtes écossaises. Il a reçu une lettre anonyme annonçant la disparition d’une enfant sur l’île. Une fois sur place, il réalise rapidement que les habitants suivent une tradition païenne et que la disparue va probablement être sacrifiée aux dieux de la moisson.

J’ai beaucoup aimé. Le scénario a l’air assez basique, il l’est, et vu qu’il a inspiré un bon paquet de films similaires depuis, on pourrait craindre le manque d’intérêt du précurseur. Il n’en est rien, le film étant assez unique par sa manière de mettre en scène et de filmer son sujet. On suit le point de vue du policier, mais alors qu’il réalise rapidement qu’il y a quelque chose de pas très catholique qui se trame et qu’il est révulsé (lui est profondément chrétien), on reste dans une ambiance tranquille, il fait beau, les gens préparent le festival, tout le monde chante (dans le film ou en extradiégétique) – généralement des chansons avec un sous-texte sexuel. On a des petites explications sur les traditions du coin, la caméra s’attarde sur des détails du décor, c’est presque un documentaire. Et du coup même si on suit le policier, on n’est pas vraiment de son côté. C’est le mec relou et rigide qui vient s’indigner de tout, et expliquer aux gens que leur traditions n’ont aucun sens et qu’ils feraient mieux de croire à la résurrection et à la transsubstantiation, des choses raisonnables, elles. Par ailleurs il ne cesse de se réclamer de son autorité de policier alors qu’il est venu seul sur l’île, n’a pas de moyens de communication et dépend des habitants même pour retourner à son hydravion.

J’ai aussi été assez frappé de voir à quel point The Third Day, que j’ai regardé l’année dernière semble être un décalque du film en moins réussi. Il y a vraiment d’énormes similarités entre les deux œuvres, mais avec 45 ans de plus, The Third Day fait largement moins bien que son modèle.

Bref, y’a une ambiance assez unique qui se dégage du film, grosse recommandation.

A Ghost story, de David Lowery

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Film de 2017. Suite a un accident de voiture, un homme meurt. Il devient un fantôme qui reste dans la maison dans laquelle il vivait, et voit s’écouler l’histoire du lieu.

J’ai bien aimé. Le fantôme est représenté par un acteur recouvert d’un immense drap blanc avec deux trous noirs pour les yeux, c’est tout simple mais ça marche très bien. On le voit percevoir le temps différemment des humains, assistant à des scènes de la vie des différents occupants de la maison, se manifestant occasionnellement, discutant avec un autre fantôme. Le rythme du film retranscrit bien ça, avec des scènes qui s’étirent (pas mal de longs plans fixes), d’autres où les moments s’enchainent, le décor change, des ellipses temporelles surviennent. Le personnage avant sa mort n’est pas particulièrement sympathique, c’est intéressant de voir sa version fantôme devenir un personnage plus intéressant.

Je recommande.

Candyman, de Nia DaCosta

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Film d’horreur états-unien de 2021, suite du film éponyme de 1992. Trente ans après les événements du premier film, Cabrini-Green est un quartier largement gentrifié, où les appartements spacieux sont vendus à des couples aisés. Parmi eux, Anthony – artiste prometteur mais en panne d’inspiration – et Brianna – directrice de la programmation artistique d’une galerie d’art. Anthony est inspiré par l’ambiance des dernières traces de l’ancien Cabrini-Green, et il apprend d’un des résidents la légende de Candyman. Il décide de l’incorporer dans ses nouvelles œuvres, provoquant une résurgence de l’esprit et de ses crimes…

Avis mitigé.
J’étais excité parce que Jordan Peele était au scénario et que j’ai beaucoup aimé ce qu’il a fait dans Get Out, mais si les thèmes sont là, la réalisation de Candyman n’est pas au niveau. Y’a un faux rythme que je trouve assez problématique pour un film d’horreur qui repose quand même beaucoup dans le principe sur la montée de la tension. La question de la gentrification est intéressante mais traitée de façon beaucoup trop didactique, c’est présenté dans les dialogues, pas dans la mise en scène du film.
Par ailleurs, il y a des choses très bien aussi. Quelques jolis plans (les gratte-ciels filmés à l’envers – mais c’est trop déconnecté du reste pour vraiment fonctionner, Anthony qui marche dans un tunnel de verre sur lequel il pleut), un éclairage réussi. Sur le plan du scénario, l’incarnation du Candyman dans plusieurs personnes racisées qui ont été victimes d’injustice qu’elles cherchent à venger marche plutôt bien, et la conclusion du film fonctionne très bien : le Candyman n’est plus un monstre mais un protecteur contre des injustices systémiques autrement plus flippantes qu’un mec armé d’un crochet. C’est un peu frustrant de voir qu’il y avait un vrai potentiel là dessus qui n’a pas assez été exploité le long du film.

Ça m’a donné envie de voir le film original du coup.

Dune, de Denis Villeneuve

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Film de science fiction de 2021, adapté de la première partie du roman éponyme. Dans un empire galactique, l’empereur charge la famille Atréide de la gestion de la planète désertique Arrakis, où se récolte une matière première des plus précieuses. Mais l’ancienne famille qui gérait Arrakis, les Harkonnen, ne l’entendent pas de cette oreille. Et c’est sans compter l’opinion du peuple natif d’Arrakis, les Fremen, ni celle de l’ordre religieux des Bene Gesserit…

Dune est de base un univers dense, le film prend le temps de retranscrire ça, en passant 2h30 pour ne montrer que la moitié du roman. Pour autant c’est assez dense en événements, sans aller à un rythme survolté en terme de montage : on prend le temps d’avoir des plans d’ensemble qui montrent les paysages et les décors, ce qui est bienvenu vu l’énorme travail qu’il y a visiblement eu dessus ; en termes de style visuel c’est totalement ma came, grosse satisfaction sur l’architecture brutaliste, les palais aux murs épais, les tunnels spatiaux en béton. Le film fait vraiment ressentir l’échelle interplanétaire des événements (contrairement à Star Wars qui donne souvent l’impression de se passer dans un territoire de la taille d’un département français).

Le film évite globalement le manichéisme : si la maison Harkonnen a un look de grands méchants très méchants, les « gentils » Atréides ont quand même une structure militaire et des uniformes d’apparats tout noirs qui évoquent l’Empire dans Star Wars : je pense que c’est une référence voulue pour dire que c’est pas si simple que le Bien vs le Mal. Ils sont aussi tout à fait ok avec la structure féodale dans laquelle ils ont une bonne place et assument leur rôle de colonisateurs d’Arrakis (même s’ils parlent de mieux traiter les Fremen, ils ne font pas non plus la Révolution). Au passage j’ai d’ailleurs beaucoup aimé le petit détail de l’aigle des armoiries atréides stylisée à l’ancienne sur le sceau familial et de façon beaucoup plus moderne sur leurs bannières militaires et uniformes, ça rentre bien dans toute l’esthétique mélange d’ancien et de moderne du film.

Le film évite aussi le rythme global des blockbusters du conglomérat marvel/disney/starwars : on a les moyens d’un blockbuster, mais le fait de coller à la structure du livre plutôt que de tailler un scénario sur mesure pour le film donne un rythme différent : à part l’espèce de petite souris du désert mignonne on échappe aux sidekicks attachants faits pour la vente de produits dérivés, on reste concentré sur les personnages principaux (et globalement l’ambiance n’est pas trop à l’humour qui brise la tension, c’est plutôt de nouvelles tensions qui viennent s’ajouter aux précédentes).

Bref, j’ai globalement beaucoup aimé, j’ai pas trop vu passer mes 2h30, j’espère que le second volet sera tout autant satisfaisant.

EDIT 2024 : La deuxième partie était moins satisfaisante, on voit un peu plus le temps passer. Mais ça reste cool. Par contre comme c’est seulement le premier roman de Dune, on a une fin qui ouvre largement l’univers et laisse la place à 4 ou 5 autres films de 2h30. Les décors sont toujours très beaux, les acteurs jouent très bien, mais on n’a plus l’effet de découverte de l’univers (et on est plus resserré sur la vie des Fremen sur Dune, là où le premier volet était plus diversifié)

Drive my car, de Ryusuke Hamaguchi

Longs métrages

Film japonais de 2021. Yūsuke Kakufu, metteur en scène de théâtre reconnu, perd sa femme dans un accident cérébral quelques semaines après avoir découvert qu’elle le trompait avec un acteur de série télé. Deux ans après ces événements dont il ne s’est toujours pas remis, Yūsuke est invité à diriger une mise en scène d’Oncle Vania dans le cadre du festival de théâtre d’Hiroshima. L’organisation du festival lui assigne une chauffeure, avec qui il va peu à peu se mettre à parler au fil des trajets entre sa résidence et les répétitions de la pièce.

J’ai bien aimé sans être complétement bouleversé. Le film dure trois heures, il prend le temps d’installer les situations. Le prologue lorsqu’Oto, la femme de Yūsuke, est toujours vivante, dure 40 minutes, par exemple. Il y a de très beaux plans (la scène d’introduction avec Oto à contrejour sur la baie de Tokyo, la scène de répétition en extérieur, la scène où Yūsuke et Misaki fument une cigarette sur un quai en béton), il y a aussi beaucoup de scènes tournées dans la voiture (logiquement) ou qui montrent la voiture, rouler, et c’est toujours un dispositif qui me convainc assez peu au cinéma : en intérieur il n’y a qu’une quantité d’angles limités, et en extérieur ça donne surtout l’impression qu’Hiroshima est constituée à 80% d’échangeurs autoroutiers. Après le film prend le temps de laisser les personnages raconter des histoires – que ce soit dans la voiture ou ailleurs, et ça rend très bien (alors que pourtant filmer des gens qui racontent totalement autre chose, c’était pas forcément gagné d’avance comme mise en scène).

En plus de la relation entre Yūsuke et Misaki (et du poids de la relation qu’avait Yūsuke avec Oto), il y a tout un axe sur les répétitions d’Oncle Vania. Yūsuke travaille avec des pièces multilingues, où chaque acteur dit le texte dans sa propre langue, ce qui est un concept assez intéressant dans la vie réelle, et bien mis en scène dans le film. Yūsuke refuse de jouer Oncle Vania lui-même (c’était la pièce qu’il jouait à la mort d’Oto et il trouve que le texte force trop les acteurs à se confronter à eux-mêmes), mais il fait travailler ses acteurs dessus, et notamment Kōji qui interprète le personnage d’Oncle Vania lui-même, un jeune acteur impulsif qui saborde sa propre vie et était , l’amant d’Oto. On ne comprend pas trop le choix de Yūsuke, mais ce n’est pas dit qu’il le comprenne lui-même : il réprime énormément ses sentiments tout au long du film et il adopte une posture mi-paternelle mi-agacée vis-à-vis de Kōji. Pour autant ce n’est pas un film où une femme (Misika) va aider un homme (Yūsuke) à reprendre contact avec ses sentiments : Misika aussi est laconique et peu sentimentale, les deux vont s’épauler mutuellement dans cette tâche.

Comme je le disais, j’ai bien aimé, on se laisse emporter par l’histoire et les relations entre les personnages. Pour autant je trouve que la façon de filmer est souvent assez factuelle : « voici une voiture qui roule » ; « voici une répétition de théâtre dans une salle éclairée au néon », alors que certains plan et certains éclairages montrent qu’il était possible de faire autrement.

The Thing, de Matthijs van Heijningen Jr.

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Préquel/remake de 2011 au film éponyme de John Carpenter. En 1982 des scientifiques norvégiens découvrent le corps d’un alien dans un vaisseau spatial en Antarctique. L’alien en question s’avère hostile et métamorphe, et tue peu à peu les membres de la base, en se faisant passer pour eux. Le pitch est vraiment le même que celui du film de Carpenter. La créature peut déformer son corps, le séparer en plusieurs parties, muter à volonté, on est en plein dans le body horror. Je n’ai pas vu l’original, mais j’ai bien aimé celui là. Les effets spéciaux de la créature sont plutôt réussi, le côté huis-clos en Antarctique aussi. Le scénario n’est pas très épais et la caractérisation des personnages bien mince, mais c’est pas vraiment ce que je venais chercher dans le film donc je m’en fiche un peu.

The Green Knight, de David Lowery

Longs métrages

Film états-unien de 2021, inspiré de la légende arthurienne de Gauvain. Le jour de Noël, le chevalier vert fait irruption à Camelot et défie les chevaliers de la table ronde : Gauvain répond à son défi de le frapper et de venir recevoir le même coup un an plus tard, et décapite le chevalier. Celui-ci emporte sa tête sous son bras et dit à Gauvain qu’il attend sa visite.

Le film va suivre Gauvain, qui n’aspirait visiblement pas plus que ça à rentrer dans la légende (un petit écho du dilemme d’Achille ici) mais qui se résigne à tenir sa parole et se lancer dans sa quête. On le voit quitter Camelot et passer par plusieurs péripéties sur sa route, avant de finalement retrouver le chevalier vert et se préparer à recevoir son coup. Il a l’air assez fidèle dans son déroulement à la légende dont il s’inspire, en détaillant plus largement des péripéties seulement évoquées dans le texte.

J’ai bien aimé. Il y avait un côté assez psychédélique, avec des visions que reçoit Gauvain, des événements dont on ne sait pas trop s’ils sont imaginés ou s’ils arrivent parce qu’il y a de la magie dans l’univers. Certains aspects de mise en scène et décors font un peu penser à The Favourite. On retrouve aussi logiquement pas mal de tropes des films de chevalier, notamment les scènes où le héros avance à cheval (ou à pied, Gauvain perd rapidement son cheval dans ce film) dans un paysage désolé, style le Septième Sceau. Visuellement le film était assez beau, avec le paquet mis sur les décors.